三宅麻美アート覚書き

梅雨入り前の先週、東京都美術館のクリムト展と、国立新美術館のウィーン・モダン展を鑑賞した。

Exhibitions of Gustav Klimt @Tokyo Metropolitan Art Museum and Vienna on the path to modernism @The National Art Center Tokyo

まず都美術館の方は、今年没後100年になるクリムトの油彩画が25点以上も揃うという充実振り。クリムトといえば女性遍歴も多く、裸婦や愛し合う男女をシンボルにした作品が思い浮かぶが、そういった作品に辿り着くまでの経緯が分かるように、時代順にさまざまな作品が並ぶ。7人兄弟の長男で、14歳で工芸美術学校に入学。若い頃は肖像画も多く描いており、21歳で友人や弟と工房を設立し、室内・舞台装飾の分野で活躍。公的機関からの依頼も来るようになり、時の人となるが、次第に伝統への迎合を嫌うようになり、分離派を結成。黄金様式へと向かっていく。金工師だった父親と、同じく美術の道を歩んでいた弟のエルンストを30歳の時になくし、姉と母は鬱病を患っていたらしく、クリムトの絵に現れる不吉で不安定なモチーフに繋がっていく。

私にとって印象的だったのは、金色を使った派手で官能的な作品よりも、養子にしたという姪ヘレーネや、生涯を通してのパートナーだったエミリエ・フレーゲなど身近な女性を描いた肖像画。舞台装飾やポスターなど幅広い作品に取り組んできただけあって、自らデザインしたという額縁も含め、そこにはデザイン性の高さが現れている。モノトーンの色彩、シンプルな構図のなかで、女性らしさを際立たせる。肌の色や衣服の透けるような質感と、首筋や髪の生え際が強調される横顔ならではの視点が、クリムトが抱く女性へのただならぬ関心を表している。

目玉作品として展示されていた、首を取り恍惚の表情をした《ユディト》や、手鏡を持った《ヌーダ・ヴェリタス》は、絵よりも黄金の額縁やシラーの文章に目がいってしまい、期待していた《ベートーヴェン・フリーズ》も、ベートーヴェンの音楽やシラーの思想とはどうも結びつかず、今ひとつピンと来なかった。
ただ、大衆に迎合せずに自分の中の真実を追究する姿勢と行動が、世の中にインパクトを与えたという事実は実感できた気がする。

一方のウィーン・モダン展は、改装中のウィーン・ミュージアムから膨大な数のコレクションが来日。マリア・テレジアの肖像画から始まり、ウィーンの都市の変貌、オットー・ヴァーグナーの建築計画など、絵画だけでなく食器や家具、衣装やアクセサリーに設計図までが所狭しと並び、クリムトにたどり着くまでにかなりの時間がかかった。

こちらのクリムト作品は素描も多くあり、特に初期の寓意絵（ドイツ留学中、何処かの美術館で惹かれて買った絵葉書の《愛》という作品）に思いがけず出会えたのが嬉しかった。絵葉書には男女の姿しか写っていなかったのだが、その上部には2人の運命を示すような不吉な3つの顔があり、額縁は金色と深緑の丁寧な作りになっていた。こちらもやはり透けるような肌と、霧がかった色彩感が印象的。

そしてそのクリムトを尊敬し、クリムトもその才能を認めたエゴン・シーレの作品が素晴らしかった。10代で父親を失い、その現実を受け入れられずに必死で絵を描いたというシーレが、ゴッホの影響を受けて描いた画家の部屋やひまわり、パトロンだったレスラーの肖像画など、落ち着いた暖色系の色合いと、物を捉える線の独特な角度、そして丁寧で迷いのない塗りの線がそのままデザインになって、見事な一体感を成しているのが凄い。枯れたひまわりの背景の白色でさえ、強くなにかを訴えかけてくる。

その他にこの展示で充実していたのが、分離派やウィーン工房のポスターグラフィックで、字体、色合い、デザイン、どれを見ていても飽きないものだった。
また、ウィーンならではの作曲家たち ーー シューベルトの有名な肖像画や実際に使用していた眼鏡、シューベルティアーデの様子を描いたもの、ヨハン・シュトラウスやマーラーの彫像、シェーンベルクの肖像画、シェーンベルクが描いたアルバン・ベルクの肖像画（！）まで展示されているのには驚いた。

ウィーン・モダン展の後、同じ国立新美術館で開催中の日洋展に出品されていた、叔母 並木貴子の《輝きの大地 2019》を観た。これまでもこのシリーズの絵を観てきたけれど、委員賞を受賞しただけあって、黄色と黒のコントラストが効いており、余分なものが削ぎ落とされてきているのが分かる。大胆な筆使いに、気持ちの定まり、叔母の進化、新境地を感じることが出来て、とても嬉しかった。

テオドール・クルレンティス&ムジカ・エテルナ初来日
チャイコフスキープログラム

Teodor Currentzis and Music Aeterna – Tchaikovsky Program
@Sumida Triphony Hall

インフルエンザの苦しみがようやく抜け始めてきたので、前から楽しみにしていたオーケストラ ムジカ・エテルナを聴きに行った。世界中で話題騒然、「異端児クルレンティス」「危険な音楽集団」との触れ込みあってか、1800席のすみだトリフォニー大ホールが満席完売。

前半はソリストにパトリツィア・コパチンスカヤを迎えてのヴァイオリン協奏曲で、後半は交響曲第4番。

まず音に色がある。オーケストラだから様々な楽器の色があって当然、というレベルではない。弦楽四重奏や少人数のアンサンブルでのみ実現するような、調性や和声の変化、ニュアンスを大編成のオーケストラで緻密に再現している。
そしてなんと言っても歌い回しのしなやかさ。フレーズの中での音のデクラメーション(増量と減衰)を細部に渡り、また曲全体にも渡ってコントロールしているので、通常オーケストラでは難しい絶妙なルバートと抑揚、切れ味を生み出している。木管楽器の表現力は特筆すべきで、特にクラリネットとフルートは素晴らしい腕前。

ソリストのコパチンスカヤは、噂通り舞台上でスリッパのような靴を脱ぎ、裸足で演奏。終始小鳥がさえずっているようなヴァイオリンで、即興的ではあるけれど極端に音量を落とし過ぎたり、音としての美しさがなく、豊かな響きと表現力を持つオーケストラとのバランスが非常に悪い。フラジオレットやグリッサンドの滑りなど際立った技巧を持っていて、現代曲やジプシー的な民族音楽などには向いているのだろう。稀有で個性的な存在だというのはわかるが、拍感も歌い出しも曖昧で、メロディーラインにチャイコフスキーらしい哀愁、優雅さがほとんど感じられず、大変残念だった。

休憩中、ヴァイオリンとヴィオラ、木管楽器の椅子が全て舞台袖に下げられ、後半は交響曲の間中なんと立ちっぱなし（！）で演奏。それが功を奏し、デュナーミクの幅を与え、音楽に身体全体から生まれる自然な波動を与える。指揮者と同じ目線で演奏することで、当然一体感も増す。金管楽器も吹くときは立奏するので、それに対応するようにだろうか、低弦の多さが目立つなと思って数えてみたら、 コントラバス9本、チェロ14本、ヴィオラ14本だった。(ちなみに1stヴァイオリンは17本、 2ndヴァイオリンが15本)

クルレンティス自身が言うように、「家族のような」団員たちと長時間かけて、入念に徹底した準備をし、これまで弾かれてきた伝統や全体像を把握した上で彼の狙いやこだわりを際立たせるので、説得力がある。久々にオーケストラの演奏に魅せられ、引き込まれた。

終演後、通常は指揮者のみがお辞儀するところを、団員全員でお辞儀するのはとても清々しく、そうするに相応しい演奏だった。

アンコールに、2日後のプログラムの演目である 幻想序曲《ロメオとジュリエット》までそのまま立奏するおまけ付き。15時に始まった演奏会が終わったのは18時近かった。

〔facebookパーソナルページより転載〕

ロシア絵画の至宝展&ロマンティック・ロシア展
Exhibitions of Russian painting @ Tokyo Fuji Art Museum and Bunkamura Museum

5年前、サンクトペテルブルクを訪れた時に行きそびれていたロシア美術館所蔵の展示というので、先月の休日に楽しみに八王子の東京富士美術館へ出かけた。

暗い色合いのものが多く、ともすれば陰鬱に見えがちなロシア絵画だが、そのほの暗さなかにともし火があり、人々の語らいや驚き、そして生きる糧が描かれている。
レヴィタンやシーシキンの風景画にある広大な空や大地、母なる河、奥深い森は、画家自身がインスピレーションを受けた場所そのものであり、アイヴァゾフスキーの海洋画は、クリミア半島の眩いばかりの陽の光とその光に包まれて霞む帆船が輝いている。光の放射、広がりに画家の生命力を感じざるを得ない。

そしてなんと言ってもイリヤ・レーピンの《サトコ》は、時間を忘れて観ていられる作品で、目当てに行った甲斐があるというもの。
水中の王国での商人が花嫁を選ぶという、ノヴゴロドの叙事詩の一場面だが、まずその大きさに圧倒される。水の中で輝く華やいだ人魚の行列、忠実に描かれた魚や甲殻類の一つ一つ、前に立つとまるで宝石箱をのぞくようなワクワク感に包まれる。そして視点は画家の想いが注がれた主人公サトコヘ。その想いは画家の愛国心の表れであり、皇帝の買い上げになったというのも頷ける。
「美は好みの問題だが、私にとって、美とは真実のなかにある」 とのレーピンの言葉は、裸足のトルストイを描いた絵といい、絵画だけにとどまらず音楽においてもそうあるべきと強く思う。

そして今月になって出掛けたBunkamuraのロマンティック・ロシア展は、モスクワ・トレチャコフ美術館所蔵の作品展示で、私も10年振りにクラムスコイの《忘れえぬ女》を観た。

レヴィタンの作品は富士美術館よりも一段と素晴らしく《森の小花と忘れな草》や《樫の木》など、さりげなく飾られた名もない花に愛おしさ、そして見返りを求めずその場に立ち続け与え続ける樹木への恩恵が表れている。
クラムスコイが生涯に一点だけの花を描いた作品という《花瓶のフロックス》は、花の赤味と白味、葉の薄い緑、花瓶の照りのある濃紺の色の配置といい、構図といい、目を奪われた。

今回のレーピンは二点とも肖像画で、師であり友であったクラムスコイと、ロシア音楽界に多大な功績を残したアントン・ルビンシテイン。座り方や腕の組み方など、それぞれの佇まいに真実を追求する姿勢が伝わる。クラムスコイの目線、ルビンシテインのくつろぎながらも衰えない風格、それは背景の色使いにも表れる。前者はグレーに近い緑、後者は赤茶色と描き分け、肖像画においてさえも高い芸術性を感じさせる。

そして、二度目の《忘れえぬ女》との対面は、初回に感じたよりもより細部への筆使いに関心が向いた。濃紺色の持つ落ち着きと高貴な存在感、ビロードや毛皮の質感の表現、背景の暖かな白色、その色とはまた違う肌色の透明感、眉毛やまつ毛、眼孔の濃さが特徴的な目線を印象付ける。

観る人にその精神性や奥深い魅力を与えてくれるロシア絵画を堪能した2日だった。