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テオドール・クルレンティス&ムジカ・エテルナ初来日
チャイコフスキープログラム

Teodor Currentzis and Music Aeterna – Tchaikovsky Program
@Sumida Triphony Hall

インフルエンザの苦しみがようやく抜け始めてきたので、前から楽しみにしていたオーケストラ ムジカ・エテルナを聴きに行った。世界中で話題騒然、「異端児クルレンティス」「危険な音楽集団」との触れ込みあってか、1800席のすみだトリフォニー大ホールが満席完売。

前半はソリストにパトリツィア・コパチンスカヤを迎えてのヴァイオリン協奏曲で、後半は交響曲第4番。

まず音に色がある。オーケストラだから様々な楽器の色があって当然、というレベルではない。弦楽四重奏や少人数のアンサンブルでのみ実現するような、調性や和声の変化、ニュアンスを大編成のオーケストラで緻密に再現している。
そしてなんと言っても歌い回しのしなやかさ。フレーズの中での音のデクラメーション(増量と減衰)を細部に渡り、また曲全体にも渡ってコントロールしているので、通常オーケストラでは難しい絶妙なルバートと抑揚、切れ味を生み出している。木管楽器の表現力は特筆すべきで、特にクラリネットとフルートは素晴らしい腕前。

ソリストのコパチンスカヤは、噂通り舞台上でスリッパのような靴を脱ぎ、裸足で演奏。終始小鳥がさえずっているようなヴァイオリンで、即興的ではあるけれど極端に音量を落とし過ぎたり、音としての美しさがなく、豊かな響きと表現力を持つオーケストラとのバランスが非常に悪い。フラジオレットやグリッサンドの滑りなど際立った技巧を持っていて、現代曲やジプシー的な民族音楽などには向いているのだろう。稀有で個性的な存在だというのはわかるが、拍感も歌い出しも曖昧で、メロディーラインにチャイコフスキーらしい哀愁、優雅さがほとんど感じられず、大変残念だった。

休憩中、ヴァイオリンとヴィオラ、木管楽器の椅子が全て舞台袖に下げられ、後半は交響曲の間中なんと立ちっぱなし（！）で演奏。それが功を奏し、デュナーミクの幅を与え、音楽に身体全体から生まれる自然な波動を与える。指揮者と同じ目線で演奏することで、当然一体感も増す。金管楽器も吹くときは立奏するので、それに対応するようにだろうか、低弦の多さが目立つなと思って数えてみたら、 コントラバス9本、チェロ14本、ヴィオラ14本だった。(ちなみに1stヴァイオリンは17本、 2ndヴァイオリンが15本)

クルレンティス自身が言うように、「家族のような」団員たちと長時間かけて、入念に徹底した準備をし、これまで弾かれてきた伝統や全体像を把握した上で彼の狙いやこだわりを際立たせるので、説得力がある。久々にオーケストラの演奏に魅せられ、引き込まれた。

終演後、通常は指揮者のみがお辞儀するところを、団員全員でお辞儀するのはとても清々しく、そうするに相応しい演奏だった。

アンコールに、2日後のプログラムの演目である 幻想序曲《ロメオとジュリエット》までそのまま立奏するおまけ付き。15時に始まった演奏会が終わったのは18時近かった。

〔facebookパーソナルページより転載〕

ロシア絵画の至宝展&ロマンティック・ロシア展
Exhibitions of Russian painting @ Tokyo Fuji Art Museum and Bunkamura Museum

5年前、サンクトペテルブルクを訪れた時に行きそびれていたロシア美術館所蔵の展示というので、先月の休日に楽しみに八王子の東京富士美術館へ出かけた。

暗い色合いのものが多く、ともすれば陰鬱に見えがちなロシア絵画だが、そのほの暗さなかにともし火があり、人々の語らいや驚き、そして生きる糧が描かれている。
レヴィタンやシーシキンの風景画にある広大な空や大地、母なる河、奥深い森は、画家自身がインスピレーションを受けた場所そのものであり、アイヴァゾフスキーの海洋画は、クリミア半島の眩いばかりの陽の光とその光に包まれて霞む帆船が輝いている。光の放射、広がりに画家の生命力を感じざるを得ない。

そしてなんと言ってもイリヤ・レーピンの《サトコ》は、時間を忘れて観ていられる作品で、目当てに行った甲斐があるというもの。
水中の王国での商人が花嫁を選ぶという、ノヴゴロドの叙事詩の一場面だが、まずその大きさに圧倒される。水の中で輝く華やいだ人魚の行列、忠実に描かれた魚や甲殻類の一つ一つ、前に立つとまるで宝石箱をのぞくようなワクワク感に包まれる。そして視点は画家の想いが注がれた主人公サトコヘ。その想いは画家の愛国心の表れであり、皇帝の買い上げになったというのも頷ける。
「美は好みの問題だが、私にとって、美とは真実のなかにある」 とのレーピンの言葉は、裸足のトルストイを描いた絵といい、絵画だけにとどまらず音楽においてもそうあるべきと強く思う。

そして今月になって出掛けたBunkamuraのロマンティック・ロシア展は、モスクワ・トレチャコフ美術館所蔵の作品展示で、私も10年振りにクラムスコイの《忘れえぬ女》を観た。

レヴィタンの作品は富士美術館よりも一段と素晴らしく《森の小花と忘れな草》や《樫の木》など、さりげなく飾られた名もない花に愛おしさ、そして見返りを求めずその場に立ち続け与え続ける樹木への恩恵が表れている。
クラムスコイが生涯に一点だけの花を描いた作品という《花瓶のフロックス》は、花の赤味と白味、葉の薄い緑、花瓶の照りのある濃紺の色の配置といい、構図といい、目を奪われた。

今回のレーピンは二点とも肖像画で、師であり友であったクラムスコイと、ロシア音楽界に多大な功績を残したアントン・ルビンシテイン。座り方や腕の組み方など、それぞれの佇まいに真実を追求する姿勢が伝わる。クラムスコイの目線、ルビンシテインのくつろぎながらも衰えない風格、それは背景の色使いにも表れる。前者はグレーに近い緑、後者は赤茶色と描き分け、肖像画においてさえも高い芸術性を感じさせる。

そして、二度目の《忘れえぬ女》との対面は、初回に感じたよりもより細部への筆使いに関心が向いた。濃紺色の持つ落ち着きと高貴な存在感、ビロードや毛皮の質感の表現、背景の暖かな白色、その色とはまた違う肌色の透明感、眉毛やまつ毛、眼孔の濃さが特徴的な目線を印象付ける。

観る人にその精神性や奥深い魅力を与えてくれるロシア絵画を堪能した2日だった。

アレクセイ・リュビモフ
エラールを弾く
Alexei Lubimov plays Erard@Suntory Hall Blue Rose

ロシアンピアニズムの中でも異彩を放つリュビモフの演奏は興味深く、これまでにも何回か聴いてきたが、ピリオド楽器は初めて。しかもサントリーホール所蔵、1867年製全盛期のエラールを弾くというので、楽しみに駆けつけた。

なんと本リサイタルの前に、第1回ピリオド楽器によるショパン国際コンクール入賞者の川口成彦さんの演奏とトーク、リュビモフとの連弾まで追加されるという大サービス振り。

この9月に行われた同コンクールにドイツ留学中の弟子が参加していたので、ネット配信されるオンライン中継は見ていたものの、普段ピリオド楽器を聴く機会は身近にないので、まず音そのものに集中して聴く。その聴く側の姿勢には、まさに聞き耳をたて、古い楽器だから多少の聴きにくさは受け入れる寛容があり、弾く側もきっと、良いも悪いもその楽器の特性、限界をそのまま披露できる気楽さがあるように思う。もちろん責任も十二分にあるとは思うけれど。

福沢諭吉の孫が所有していたこともあるというそのエラールピアノの音は、現代のピアノに比べてハンマーの打音が目立ち、その後に残る響きは素朴で縦には伸びず、余韻はあるが、狭い範囲で波動が伝わっていくようなイメージ。
やはり音の減衰が早いので、音楽が向かって行くときはおのずと切迫感を強いられるのだろう。逆に引いて行くときは時間をかけると、そこはかとない寂寥感を演出できる。同じフレーズを繰り返すときに装飾を入れたりという、当時は当然のごとく奏者に一任されていた表現が堂々とできるのは、ピリオド楽器を弾く特権のように感じられた。我々が現代のピアノを弾く時にも、そのくらいの自由があっても良いのにと思う。

弾き手がリュビモフに替わると、途端に色彩が増し、奥行きが出る。
ベートーヴェンの作品109は、出だしからしてアルペジオによる響きの溜まりが非常に新鮮。第3楽章のテーマの繰り返しに妙技を感じ、第2変奏などは、モダンピアノではその飛翔感を表現するのに打鍵に細心の注意を払うのだが、このピアノではいとも簡単に理想の音が出せてしまえるようだ。
さらにドビュッシーの前奏曲になると、リュビモフはモダンピアノを弾く時より断然自由で、創造的だった。スケールの大きな曲ではやはり、モダンピアノの優越性を感じざるを得なかったが、ピツィカートやバスの原始的な響きを随所に散りばめ、機械的な運きとそうでない旋律線の対比、左右のずらしやアルペジオ、音程感、響きの濃淡、色彩の移ろいなど、イメージする明確な音像を、その知的な打鍵のコントロールで自在にかたち作っていた。

後半のショパン バラード全曲では、当時の風習にならい、一曲毎その調性へ導くためのプレリューディングとして、1番の前に作品28の前奏曲からハ短調、2番の前には前奏曲ヘ長調、3番の前には遺作の前奏曲変イ長調、4番の前には前奏曲へ短調を弾いてアタッカでバラードへ繋いでいた。
なかでは4番が特に、儚げに消えゆく楽器の音と相まってごく自然なルバートを生み出し、憂いを見事に表現していたし、左手の伴奏音が細分化されて行くさまなど、なるほどと納得させられるところが多かった。各曲とも音数の多い終結部では、競い合うように我も我もとと弾き飛ばしてしまう演奏が多い昨今だけれど、呼吸やフレーズ感を重んじた丁寧なリュビモフの弾き振りに、曲の原型を見た気がした。

アンコールはシューベルト即興曲変ホ長調。

迎賓館公開とモネ
Public Opening of the State Guest House, Akasaka Palace and Monet’s Legacy

短い夏休みも終わり、早いものでもう9月ですね。
暑い最中に出掛けた、一ヶ月限定の迎賓館赤坂離宮 藤田嗣治天井画特別展示と横浜美術館のモネ〜それからの100年〜展の記憶を辿って…

迎賓館は今から110年ほど前に、大正天皇の東宮御所として建てられた、日本で唯一のネオバロック様式の宮殿で、御所として使用されたことは少なく、国会図書館や政府の行政機関としても使われていたが、その後5年間の改修工事を行い、1974年から外国の賓客のための迎賓館として使用されるようになったそうだ。

この日は特別に夜間のライトアップがあったので、18時に予約を入れておいたのだが、予約確認などは何もなく(荷物検査はありました)並びもせず、すんなりと中に入った。
まず主庭をご覧くださいと、国宝の大きな噴水のある庭に導かれる。夕刻時なので空も美しい色。噴水の側は若干涼風が感じられるが、真夏の都心はこの時間でも汗が吹き出るほど暑い。建物の中は撮影できないからと何枚か写真を撮ったけれど、暑さに耐え切れず宮殿内に入ることにする。

涼しい館内は、一歩踏み入れるだけでその迎賓館としての品位と、装飾や調度品の高級感と、その中で日本的な仕掛けをうまく組み込んだ知恵が施されており、それはそれは絢爛豪華、非常にきらびやかで、お目当てのフジタの天井画がすっかり霞むほどだった。花鳥の間、羽衣の間、彩鸞の間とそれぞれ趣の違った広間があり、各間にボランティアガイドさんがいらっしゃって、気軽に質問に答えて下さる。家具やシャンデリアなどは建設当時からのものだそうで、明治時代に日本でデザインしたものをフランスに発注し、取り寄せたことを考えると感慨深く、その場を足早に去ることはできなかった。ゴブラン織りと見せかけて実は京都西陣織りだったり、壁面に七宝焼が埋め込まれていたり、壁の装飾に西洋の楽器に混じって鼓や琵琶があったり、さりげなく鎧兜が描かれていたり、シャンデリアに金色の鈴が連なって付けられていたり、日本人としての誇り、持て成しなどさまざまな思いが結集された建造物。今回観覧しなかったけれど、「遊人亭」という和風別館が敷地内にあるそうだ。

横浜美術館のモネ展は、クロード・モネとモネに影響を受けた画家の作品が交互に展示されている珍しい企画。主に国内から集められたモネ作品はどれも素晴らしく、特に眩い光を白で表現したジヴェルニー近くの草原の絵や、やはり夕暮れの光の当たり方、空気感を表現した、三重県立美術館所蔵の作品、そして冬のテムズ河の夕暮れを描いた作品に惹かれ、何度も観ては立ち止まった。睡蓮作品も6点ほどあり、モネと言えば睡蓮かもしれないけれど、光を描いた画家なので睡蓮のほうが勝るとは思わない。観る側がその時にが欲しているものに共鳴し、呼応するのだと思っている。個人蔵で日本初公開の、晩年のモネ作品も一点あり、その色鮮やかさにも目を奪われた。他の画家では、写真や映像などさまざまな作品が展示されていたが、ロスコが二点あったのは嬉しかった。

昨日、梅雨の晴れ間に、東郷青児記念 損保ジャパン日本興亜美術館の「ターナー 風景の詩」展へ。
Turner and the Poetics of Landscape @Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art

ベートーヴェンと同じ時代に生き、ロマン主義、印象主義を先取りした画家ジョゼフ・マロード・ウィリアム・ターナー。
数年前の都美館での展示に行けなかったのがずっと心残りだったので、楽しみに出掛けた。

先週、仕事帰りに渋谷・松濤美術館の「チャペック兄弟と子供の世界」展へ。
Children’s Themes in the Works of the Capek Brothers@Shoto Museum of Art, Shibuya

カレル・チャペックとヨゼフ・チャペックの兄弟は20世紀初頭のチェコのマルチアーティスト。兄ヨゼフが主に絵を、弟カレルが文章を担当し、兄弟揃って同じ新聞社の編集部に勤め、ヒトラーやナチズムを記事や風刺画で批判しながらも、子供向けの日曜版紙面を担当して挿絵付きエッセイを掲載したり、子供のための絵本を数多く手掛けたことで知られている。